PREMIADOS EN LA 57ª EDICION DEL FESTIVAL DE CINE DE SAN SEBASTIAN

"CITY OF LIFE AND DEATH"

Por ElEfectoKulechovPuntoCom. THE END en la 57ª Edición del Festival de Cine de San Sebastián. No ha sido una edición más, al margen de valoraciones sesudas que iremos escuchando y leyendo a lo largo de la semana, hemos de reconocer la gran entidad que posee el festival de Donosti y la repercusión mediática que genera, por lo que tenemos que dar gracias por poseer uno de los festivales europeos que más cine libera a lo largo de su semana de duración. Por él han pasado Tarantino, Brad Pitt, Ian Mckellen, Robert Duvall, Carmen Machi, Maribel Verdú, Trueba, Lee Daniels y Gabourey Sidibe (director y actriz de "Precious"), Pilar López de Ayala (jurado del festival), Campanella, Laurent Cantet (presidente del Jurado y director de "La Clase"), Terry Gilliam, etc, etc y se han proyectado ciento ochenta películas en las múltiples secciones del festival, ya sea Zabaltegui, Horizontes Latinos, Sección Oficial, Made in Spain o Cine En Construcción, entre otros.
Pero no nos referimos a todo ésto cuando decimos que no ha sido una edición más del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, El Efecto Kulechov se ha acercado este año un poco más al festival. Y es que uno de nuestros socios ha tenido la oportunidad de pasar casi toda la semana dentro de la maquinaria de este monstruo cinematográfico para contarnos de primera mano lo que por allí se ha cocido.

Lista oficial de galardonados en la 57ª Edición del Festival Internacional de San Sebastián:
- CONCHA DE ORO A LA MEJOR PELÍCULA: "CITY OF LIFE AND DEATH" de Lu Chuan (China)
- PREMIO ESPECIAL DEL JURADO: "LE REFUGE" de François Ozon (Francia)
- CONCHA DE PLATA A LA MEJOR DIRECCION: Javier Rebollo por "LA MUJER SIN PIANO" (España-Francia)
- CONCHA DE PLATA A LA MEJOR ACTRIZ: Lola Dueñas por "YO TAMBIÉN" (España)
- CONCHA DE PLATA AL MEJOR ACTOR: Pablo Pineda por "YO TAMBIÉN" (España)
- PREMIO DEL JURADO A LA MEJOR FOTOGRAFIA: Cao Yu por "CITY OR LIFE AND DEATH" (China)
- PREMIO DEL JURADO AL MEJOR GUIÓN: Andrews Bowell, Melissa Reeves, Patricia Cornelius, Christos Tsiolkas por "BLESSED" (Australia)

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TAKING WOODSTOCK (DESTINO: WOODSTOCK) DE ANG LEE

La Opinión de... Carlos Torres Checa (desde el festival de San Sebastián). Elliot Tiber, un joven decorador de interiores de Nueva York vuelve a su pueblo para intentar reflotar el negocio hostelero familiar desde la más profunda ruina. También será presidente de la Cámara de Comercio y desde aquí consigue un permiso para un Festival de Cultura Local. A partir de entonces se encadenan las casualidades y acaba formando parte de la Historia como protagonista de uno de los grandes acontecimientos de la cultura popular del siglo XX: Woodstock.

Ang Lee se introduce (o al menos lo intenta) en la comedia. Y lo hace de puntillas, como pidiendo permiso. No es el terreno en el que se encuentra a gusto, y se nota. Ha obtenido buenas notas en el drama ("Sentido y Sensibilidad", "Brockeback Mountain") e incluso en el género fantástico ("Hulk", "Tigre y Dragón"). Pero en la comedia le falta un pequeño hervor. Creo que carece de algo muy difícil de conseguir: naturalidad. Hay cierto fuego de artificio previo al climax cómico y el corsé en el que envuelve algunas escenas ahoga el pulmón de la película. Siento decir que en el campo de la comedia, parece más despistado que un girasol en un eclipse.

No quiere decir esto que "Taking Woodstock" no sea divertida. Lo es y además tiene momentos de esos que recuerdas para siempre con una sonrisa. Los personajes con los que trabaja son amables, correctos, hasta relimpios (sobre todo ese remedo de Arcángel San Gabriel del amigo de nuestro protagonista, que galopa a caballo sobre la basura generada tras el festival). Pero cuando intenta mostrar personajes oscuros (la madre de Elliot, por ejemplo) se frena en la corteza de los mismos y nos ofrece un fantoche plano, sin transmitir la compleja personalidad que se esconde detrás. Eso sí, hay que quitarse el sombrero con la aportación de Liev Schreiber como el travestí que ofrece sus servicios de protección a Elliot. Resplandece por sí solo.

Ignoro si esta película consigue mostrar el espíritu Woodstock y su trascendencia histórica e ideológica. Soy viejo, pero no tanto. Ang Lee intenta que la reconozcamos en esos personajes que están impregnados de ilusión y son conscientes de ser protagonistas de un acontecimiento irrepetible. En frente y al lado, los promotores tiburones y los reaccionarios que contemplan furibundos que los tiempos estaban cambiando.

Traigo aquí también dos observaciones que me hizo José Manuel León Meliá tras la proyección: esta película cuenta con una impresionante producción, en la que interviene el propio Lee y James Schamus. Coordinar este set de rodaje y reproducir un Festival en el que se reunieron (gracias, por cierto, a la ingenua aportación del Tiber real) más de 400.000 personas tuvo que rozar la tragedia, a lo Apocalypsis Now. Y otra apreciación: los figurantes o extras del cine norteamericano son también unos profesionales como la copa de un pino. Los miles de ellos que aquí vemos actúan, interpretan, forman parte esencial del conjunto de la película. No hay que hacer comparaciones odiosas.

Por favor, señor realizador, corte la escena del tripi y tírela a la papelera de reciclaje. Por lo demás, una película muy apañada y otra muesca más para Ang Lee como director que apuesta por esa pequeña trasgresión de la *puntita nada más*.

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"MAPA DE LOS SONIDOS DE TOKIO": BONITO ENVOLTORIO

La Opinión de... LEOmuñoz. Cuando sales de ver "Mapa de los Sonidos de Tokio" te da la sensación de que algo falta en esta película, y mientras vas dándole vueltas en la cabeza camino a casa, te das cuenta de que uno no va recreándose en nada de lo que acaba de ver. Al contrario, las pegas aparecen por doquier, pegas al guión, a los personajes, a la voz en off, a las interpretaciones y a casi todo lo que no tenga que ver con la maestría fÍlmica de su directora. Por que eso sí, Isabel Coixet es una más que sobrada maestra del encuadre y dominadora del tempo para transmitir lo que quiere, aunque en esta ocasión le haya faltado profundidad a su historia.

Comenzaré por alabar las acertadas localizaciones del Tokio actual y multiorgásmico, el mercado de pescado, el majestuoso cementerio, la noria-luciérnaga, el paseo inicial de la cámara por los rios y canales de la capital japonesa, este juego visual se combina con la recreción sonora de cada situación y espacio, transmitiendo realmente mucho más que los diálogos de los actores. Ese primer tercio de película guiada por la voz en off, la banda sonora y las imágenes al unísono es de los más acertado del film. Cuando Ryu (Rinko Kikuchi), la protagonista, tiene su primer diálogo, el film comienza a desorientarme, la voz en off ya no tiene sentido, y mucho menos la forma en la que el personaje de Rinko comienza a comportarse. Alguien que se nos ha presentado en pantalla con una personalidad extremadamente introvertida de repente entabla conversación con el que debe ser su próxima víctima, David (Sergi Lopez) un experto en vinos que regenta una vinoteca en Tokio y que acaba de sufrir la pérdida traumática de su novia. Recomiendo objetivamente que se vea la copia original subtitulada al castellano porque es imposible creerse a Sergi López escuchando en pantalla su propio doblaje. Ya me negé a ver la versión doblada de "Los fantasmas de Goya" de Milos Forman, en la que junto a Javier Bardem otros actores españoles doblan sus propios papeles, en lugar de dejar este trabajo a los profesionales del doblaje.

Isabel Coixet ha sido guionista de casi todos los trabajos que ha dirigido, exceptuando "Elegy", un encargo de la adaptación de la novela, y en ninguno de sus films anteriores había descuidado tanto la entidad de sus personajes. Esa tan citada fascinación por Tokio puede que le haya nublado la vista, descuidando una trama muy previsible y unos personajes muy desdibujados. Quizás los únicos que se mantienen en pie dentro de todo el conjunto sean el padre de la chica suicida y su fiel ayudante. Pero vuelvo a repetir que puede que se saque más jugo a la interpretación de los personajes si véis la peli en versión original.

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"WHATEVER WORKS" (SI LA COSA FUNCIONA) DE WOODY ALLEN

La Opinión de... Carlos Torres Checa (desde el festival de San Sebastián).

BIENVENIDO DE NUEVO, SR. ALLEN

Después de su periplo europeo, el Sr. Allen vuelve a Nueva York y habrá que atarle la pata a la mesa para que no salga de allí. Da la sensación de que al respirar su polución recobra la esencia de su espíritu. Esperemos que lo haya pasado bien por Barcelona, disfrutado del pan tumaca y del cava, pero yo lo quiero allí, en Manhattan.

Arranca desatada esta película en una escena sin acción: a lo Melinda, Melinda, un grupo de ociosos escucha a un verborreico personaje (Boris Yellnikoff) interpretado por Larry David, del que enseguida conocemos sus dos maldiciones: su elevado coeficiente intelectual y su misantropía. La cantidad de frases antológicas que suelta por esa boquita en apenas un par de minutos nos deja anonadados. Y uno, sin mando a distancia para darle al pause y apuntar tanta genialidad seguida.

En otro par de trazos se nos define como judío, ateo, hipocondríaco, maníaco, pesimista irredento y suicida fracasado. En fin, una joyita. Por supuesto, no hay quien le aguante, hasta que se topa literalmente con la bella, inocentona y paleta Melody St. Ann Celestine (Evan Rachel Wood). A pesar de sí mismo, se deja vencer y reencuentra el amor donde menos lo esperaba. A partir de aquí, se desparrama una curiosa galería de personajes que aportan momentos realmente hilarantes.

Y al final... pues te ves la película que ya no doy más pistas. El mensaje va en el propio título: Cualquier decisión que tomes estará bien si la cosa te funciona, aunque para los demás pueda significar una aberración. La felicidad es lo único importante.

En la parte técnica, simpleza y efectividad. Un par de interiores y la terraza del bar de Brooklin. Movimientos justos de cámara y dominio absoluto del diálogo sobre la acción. El A, B, C de Allen. Pero no necesitamos nada más. A partir de aquí, sólo comentaros que me alegró enormemente el retorno del cáustico, cínico y preclaro Woody Allen. Me queda la duda de lo que pueda haber aportado Larry David al guión y a los diálogos. Me huelo que este caballero no puede conformarse con una mera interpretación. Sea lo que sea, me quedaron ganas de más colaboraciones entre estas dos figuras del espectáculo.

Woody Allen amenaza a partir de ahora con (levanto la ceja) rodar en Londres y contar con Carla Bruni para un papel. Lo dicho: con la pata atada, en Manhattan y con sus sorprendentes actores desconocidos. / ficha técnica

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"EL SECRETO DE SUS OJOS" DE JUAN JOSÉ CAMPANELLA

La Opinión de... Carlos Torres Checa (desde el festival de San Sebastián). Vuelvo a estar enamorado del cine. No había dejado de creer en él, porque está creado del polvo de los sueños y eso lo hace eterno. Sin embargo, estaba muy decepcionado, dolido y, por supuesto, cabreado hasta el tuétano. Hasta que llegó el día del reencuentro: sábado 19 de septiembre de 2009, Festival de San Sebastián, cuarta película del día: El Secreto de sus ojos, de Juan José Campanella.

Hasta este momento yo había sido bastante infiel: Volqué todos mis deseos audiovisuales hacia las series: Los Soprano, Dexter, Lost, House. Con todas sus rutinas, historias truculentas y trampas argumentales, me dejé engañar voluntariamente y me abandoné a ellas. Lo que se proyectaba en las salas casi me dejaba indiferente. La debacle cinematográfica del cine español fue la puntilla, a pesar de los muchos intentos de autoconvencerme de que había una solución para él. Me hablaban de Haneke, de Spike Jonze, Coixet o Sánchez-Arévalo, pero de verdad, no quería ni probar. Y ahora me arrepiento, porque seguro que habrá otras historias interesantes por ahí en estos últimos cinco años de casi pura abstinencia. Me prometo que voy a recoger carrete y voy a trazarme el álbum de una retrospectiva de películas imprescindibles de este lustro.

El culpable ha sido Campanella. Disfruté un poco con El hijo de la Novia, fui paciente con El mismo amor, la misma lluvia y ya bostecé con Luna de Avellaneda. Pero ahora, a quemarropa, nos dispara esta película que me ha emocionado, hecho reir, soltar una lagrimilla y dejarme tieso como un palo en la butaca. He aquí una bella historia de amor enmarcada en un periodo de 25 años convulsos y cruciales en la historia argentina. En perfecta simbiosis, nos proporciona una historia de crimen no resuelto y de compromiso por encontrar la verdad y proporcionar justicia. Nada nuevo -me diréis- pero en el regazo de unos personajes tan ricos y profundos como los que nos encontramos aquí, este material se refunde y crea un cuadro completamente original. Extraordinarios secundarios, un guión redondo y sin fisuras y una mano maestra que dirige todo el cotarro completan lo que (venga, va, vamos a soltarlo) puede ser una obra maestra.

De veras, no se me ocurre nada mejor que hacer con 6,50 Euros en la mano. Sólo disfrutar del impresionante plano-secuencia de la escena del campo de fútbol vale mil veces la entrada. Ricardo Darín ya no me aburre, Soledad Villamil es un continuo descubrimiento y el secundario de Guillermo Francella será un personaje difícil de olvidar. En la rueda de prensa consiguiente los pude ver a todos. Estaban emocionados, exultantes, conscientes de que la prueba del público español y europeo estaba ya superada.

Hoy es 21 de septiembre y aún sigo recordando cada una de sus escenas. También en esta fecha no me resulta difícil apostar por esta película para la Concha de Oro 2009. Y en un año en el que descansa la potente maquinaria de marketing de Almodóvar, tiene muchas papeletas para el Oscar a la Mejor Película Extranjera.

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CIERRAN LOS CINES LACOLMENA, ANTIGUOS GOLEM DE LOGROÑO

La Opinión de... LEOmuñoz. Hoy he leído una nefasta noticia en el periódico La Rioja que me ha hecho reflexionar sobre la situación actual de las salas de cine riojanas. Los cines Lacolmena de Logroño, antiguos Golem aunque solo haya pasado medio año desde su cambio de nombre y propietario, cierran definitivamente al público el próximo 30 de septiembre. Casi 15 años después de la llegada de la primera multisala de cines a nuestra comunidad vemos como desaparece lo que se inaguraba en Siete Infantes ( es decir el culo del mundo de Logroño en aquellos años) el 11 de noviembre de 1994 y que un servidor presenció con ilusión en mi época de estudiante. Todavía recuerdo las caminatas que me daba desde Calle Navarra, donde tenía la residencia de estudiantes, hasta los cines Golem. Una época en la que mi único vicio era ir al cine semanalmente, incluso en ocasiones dos y tres veces por semana. No me importaba ir solo, acompañado, andando, en bus urbano o en lo que hiciera falta. Tambien recuerdo como la inaguración de estas multisalas afectó en esa época a los cines de siempre de pantalla gigante, a los que yo también acudía. Así que llevo toda la vida viendo cerrar y abrir cines de acuerdo a la situación económica del país o a los cambios que imprimen los avances tecnológicos que no siempre son para bien. Los Cines Goya, Lope de Vega, Astoria, Duplex, Sahor y ahora Golem son un ejemplo de los cambios que la industria cinematográfica sufre en España. Curiosamente en Logroño, en pocos días, se inagurarán los Cines Yelmo en el centro comercial Berceo que ya sufrió el cierre de sus 10 salas, pero esta vez parece que la disminución de la competencia (adiós a Lacolmena) y la adaptación de dos de sus salas a la tecnología digital 3D puede que levante la asistencia de público a estas salas. Con el cierre de los Golem desaparece el único reducto de proyección de cine independiente, en versión original y más comprometido con el 7º arte que ofrecía otra alternativa a la gran consumición de cine comercial que se oferta en las grandes superficies, únicos lugares que parece que van a soportar la atracción de público debido a que cada vez se utilizan más para pasar nuestras horas de ocio, lamentablemente. Destacar la supervivencia de los Cines Moderno en pleno centro de Logroño que quizás cojan el testigo de los últimos desaparecidos y oferten ese cine que nunca va a llegar a las salas de los centros comerciales y que los buenos cinéfilos estamos deseando ver. ¡Larga vida al cine en el cine!

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"CAMPÁS" GRAN PREMIO DEL JURADO EN LA GALA ¡CORT...EN! 2009

Por ElEfectoKulechovPuntoCom. El pasado sábado 12 de Septiembre tuvimos la décima cita con la gala de entrega de premios del certamen de cortometrajes ¡CORT...EN! 2009. En esta ocasión el Teatro Ideal Cinema de Calahorra se vistió de gala con una ambientación que simulaba (a modo de homenaje) el salón de cualquiera de las casas de los responsables de visonar la ingente cantidad de cortos que han llegado cada año al área de Juventud del Ayuntamiento de nuestra ciudad.

El Gran Premio del Jurado recayó sobre "Campás" de Jairo Iglesias, el jovencísimo realizador gallego (23), que en la edición pasada se llevó el premio al Mejor Cortometraje dirigido por un realizador menor de 30 años, nos obsequió con su grata presencia después de recorrer 700 kms para recibir personalmente el premio. El Mejor Corto de Animación fué para "Daniel's Journey" de Luis Zamora Pueyo, el premio al Mejor Corto Documental se lo llevó Elías León Siminiani por "Tránsito" y su particular visión del 'sueño americano'. El premio al Mejor Corto Dirigido por un Realizador Menor de 30 años se lo llevó la fábula romántica "Martina y la Luna" de Javier Loarte y el Gran Premio del Público recayó sobre "La M con la A" de Rosario Fuentenebro.

La gala destacó por el acertado decorado con tres televisores y la pantalla del teatro proyectando simultaneamente, tanto los cortos ganadores como todo lo que aconteció sobre la tarima y una cabecera anunciadora de los galardonados que dió bastante nivel a esta décima edición de entrega de premios. Jose Manuél León Meliá fué el encargado de presentar la velada y en su discurso inicial destacó las diez ediciones que este festival lleva a sus espaldas y sobre todo dió las gracias a las personas que durante todos estos años se han encargado en la sombra de realizar la tarea incial de visionado para seleccionar lo que más tarde podemos disfrutar en la terraza de El Cafetín.

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ATENCIÓN A LO NUEVO DE SPIKE JONZE

Por ElEfectoKulechovPuntoCom. "Where The Wild Things Are" (en España se titulará "Donde viven los monstruos") es el nuevo título que estrena Spike Jonze en USA este mes de septiembre. Recordaros que este director es el responsable de "Como ser John Malkovich" (1999) y "Adaptation. El ladrón de orquideas" (2002), así como productor de "Human Nature" (2001) y "Jackass, la película". El nuevo film que presenta está basado en un cuento infantil de la literatura estadounidense, escrito por Maurice Sendack que cuenta como un niño de caracter rebelde se refugia en su imaginación cuando las cosas se tuercen en casa. Os recomendamos que sigáis la pista a este film por tratarse de un producto llevado a cabo por un director que destaca por su imaginación a la hora de contar historias y al tratarse de un cuento infantil llevado al cine la elocuencia de Spike Jonze puede desbordarse. En España no la podremos ver hasta el 18 de Diciembre pero aquí tenéis el trailer para que os hagaís una idea.

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GALA DE CLAUSURA DEL FESTIVAL ¡CORT...EN! 2009

Por ElEfectoKulechovPuntoCom. Desde la asociación cinematográfica El Efecto Kulechov queremos recordaros que el próximo sábado 12 de Septiembre se celebrará en el Teatro Ideal Cinema de Calahorra a las 22:00 h. la gala final de entrega de premios y clausura del X Festival de Cortometrajes ¡CORT...EN! 2009. En ella podremos visionar los cortometrajes premiados en las secciones de Mejor Corto del Jurado, Mejor Corto dirigido por un realizador menor de 30 años, Mejor Corto del Público, Mejor Corto Documental y Mejor Corto de Animación. Os esperamos a todos los aficionados al cine en formato corto para disfrutar de otra magnífica velada cinematográfica.

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EL "DILLINGER" DE MICHAEL MANN

La Opinión de... LEOmuñoz.

De nuevo Michael Mann decide rodar en formato digital, como ya viene haciendo últimamente ("Corrupción em Miami" -, "Collateral" -2004-). Esta es la característica fundamental de "Enemigos Públicos", un film que se desarrolla en los años de la gran depresión americana y que huye del retrato a distancia de escenarios y lugares de la época dorada del ladrón de bancos más famoso de la historia y se mete literalmente en el personaje principal, John Dillinger. Así, practicamente en la oreja de Dillinger (Johnny Deep), es como ha decido rodar Michael Mann este film, el uso de la cámara digital en mano le ha permitido un inusual acercamiento a los personajes desterrando cualquier clasicismo susceptible de odiosas comparaciones. Asistimos de nuevo a magníficas escenas de acción planificadas al detalle, transmitiendo un realismo casi documental, como recordamos de la magnífica "Heat" (1995).

Esto es todo, salvando el virtuosismo de Michael Mann con el manejo de la cámara, no nos queda nada más. Realmente cuando acaba el film nada hemos obtenido de las entrañas del mítico ladrón de bancos de los años 30. Ni siquiera se ha sacado el jugo suficiente al verdadero motor del film, la historia de amor entre Dillinger y Billie (Marion Cotillard), o por lo menos esa es la impresión que me ha dejado el guión, porque tampoco se ha querido profundizar en el posible cara a cara interpretativo del que hubieramos gozado si Mann hubiese planteado el film a lo "Heat", pero en este caso enfrentando a Johnny Deep (John Dillinger) y Christian Bale (Melvin Purvis). Me quedo con la fugaz aparición de un personaje secundario que si que me ha atraído, el mítico Baby Face Nelson (Stephen Graham) y por supuesto con la convincente interpretación de Marion Cotillard, de la que conseguimos sacar más partido de su personaje que del protagonista del film. Quizás la intención del director del film se haya centrado en exceso en reflejar la repercusión mediática del mito en perjuicio de un mayor acercamiento al verdadero Dillinger.

Cinematográficamente hablando destaco tres secuencias en las que verdaderamente se puede disfrutar de buen cine de género: (1ª) secuencia de la fuga de la prisión iniciando el film, (2ª)primer asalto a un banco con huída incluida y la (3ª) secuencia final, en la que Dillinger acude al cine y comprueba el alcance mediático de su figura pública, incluyendo el desenlace final. Tres magníficas razones para no perderse este film que se digiere fácilmente en una sala de cine, otro gallo cantará en el dvd de vuestras casas con sus excesivos 140 minutos de duración, el vecino tocando la batería, la llamada telefónica inoportuna y las idas y venidas del salón del resto de la familia. En fin, que el de arriba os coja confesados.

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"CUESTION DE GUSTOS" EN YOUTUBE

Por ElEfectoKulechovPuntoCom. Tomás Cristóbal, director del corto calagurritano "Cuestión de Gustos", ya ha colgado su trabajo en YouTube para que todos aquellos que os perdísteis la presentación en Cines Arcca y posteriormente la proyección dentro del festival ¡COR...TEN! 2009 en la sección 'Gotas de Rioja' tengáis la oportunidad de disfrutarlo.

parte I

parte II

director: Tomás Cristobal / duración: 12 minutos / reparto: Micaela Arregui, Jesús A. Cristobal, Antonio Rodriguez, Iñigo Esparza y Arthur / sinopsis: en una aldea no muy lejana, cualquiera diría que no pasa nada. Los sábados no son tan aburridos con un poco de sacrificio y de esfuerzo.

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"REVOLUTIONARY ROAD" DE SAM MENDES

La Opinión de... Eugenia Casas.
"Revolutionary Road" es el título de la novela que Richard Yates escribió en 1961. En la contraportada se puede leer una pequeña sinopsis: ”Los años cincuenta retratados por Richard Yates tienen demasiados parentescos con los tiempos que vivimos. El aislamiento que nace de la comodidad. La pérdida, muchas veces inconsciente, de los valores que en algún momento parecían fundamentales. Brillantes, bellos y confundidos, Frank y April Wheeler tratan de sostener sus ideas incluso contra sí mismos y sus debilidades”.

Sam Mendes dirige esta película sobre el guión de Justin Haythe, quien ha hecho una excelente labor de adaptación de la novela, sabiendo transmitir la energía e intensidad de los personajes. El guión llegó a manos de Kate Winslet, quien propuso a su marido como director. Kate interpretaría a April, una mujer que no quiere renunciar a sus sueños, que no termina de amoldarse a las normas que la sociedad le impone, y que piensa que hay algo más allá que ser una buena esposa y madre. Pero sola se siente sin fuerzas, necesita el apoyo y la complicidad de Frank (Leo DiCaprio). Él tiene los mismos sueños, por eso se enamoraron, por eso se casaron, compartían un proyecto de vida, una ilusión. Pero mientras April ve la felicidad en el horizonte (y el horizonte siempre está lejos), Frank sí aprende a adaptarse, intenta asumir sus responsabilidades, incluso descubre un nuevo camino, un nuevo interés, gracias a un ascenso en la empresa donde trabaja.

Kate y Leonardo, pareja doce años atrás en la taquillera “Titanic”, nos regalan una brillante y poderosa interpretación de este matrimonio que se ama y se destruye a la vez. Se sienten diferentes y así lo ven también sus amigos, sus vecinos: “Son los Wheeler de Revolutionary Road!”, dicen con admiración. Personajes estos que completan y complementan el perfil de Frank y April.

Realización impecable, así como la música de Thomas Newman, la dirección artística y el vestuario. Película que podría haber obtenido muchos más premios (sólo el Globo de oro a Kate Winslet a la Mejor Actriz Protagonista de drama), pero quizá el tema “pica un poco” y no sea del gusto de tod@s los espectadores, ni de la industria cinematográfica. Una pequeña curiosidad: en los Globos de oro Kate Winslet aparecía nominada como mejor actriz protagonista de drama por “Revolutionary Road” –que ganó-, y como mejor actriz secundaria por “The Reader” –que también ganó- . Pero en los Oscars aparecía nominada como actriz protagonista de drama por “The Reader” –que ganó- porque… ¿quién estaba nominada como mejor actriz secundaria y que al final ganó? Pues sí, Penélope Cruz por “Vicky, Cristina, Barcelona” de Woody Allen. ¡Qué poder tienen las Productoras!, por encima de la calidad de los trabajos. En fin

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"ESTO NO ES AMOR", UN CORTO DE JAVIER SAN ROMAN

Cortometraje: "ESTO NO ES AMOR" (presentado a concurso en la VII edición Notodofilmfest.com)

Director: JAVIER SAN ROMAN

Reparto: MACARENA GOMEZ, PACO MARIN y JUANMA CIFUENTES

Género: COMEDIA

Duración: 3min. 28''

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