LA ERA DIGITAL: NUEVAS FORMAS DE VER CINE

 La Opinión de... LEOmuñoz.
 No creo que quede ya una persona sobre la faz de la tierra que no sepa como ver cine online en su ordenador personal, independientemente de que lo haga desde el lado oscuro de la fuerza o desde plataformas de pago. Lo que si es cierto es que la concepción del visionado de cine en nuestros hogares ha cambiado, la prueba evidente es la paulatina desaparición de esa especie en extinción denominada 'videoclub', que tan buenos ratos nos han hecho pasar. Yo, de hecho, todavía frecuento uno que subsiste en mi barrio, y si, sigue teniendo esos expositores donde se colocan una detrás de otra todas las carátulas de los deuvedes en alquiler, como se hacía antaño con los vhs. Bueno, animales en extinción aparte, a lo que voy es que el mercado del visionado de cine está cambiando, pero está cambiando a marchas forzadas y cada minuto que pasa. Actualmente ya existen plataformas de visionado gratuito en streaming (sin descarga) y en calidad HD, ya vale de ver cine de cualquier manera, de mala calidad y con doblajes de esos que parece que cantan en vez de hablar. Me refiero a esas personas que ven cine en su ordenador (o dvd) por el hecho de ser gratis, aunque se halla tirado tres días bajándose la peli, si es que ha tenido la suerte de encontrar lo que quiere a la primera y no ha pillado 'El Apareamiento del Mejillón Cebra en las Galápagos' con el falso título de "Los Piratas del Caribe", por no citar otro tipo de apareamientos. Y cuando por fin ya tienes la peli que querías resulta que es una grabación casera dentro de un cine con un sonido horroroso y la mayoría de las veces con un doblaje latinoamericano, dependiendo de las prisas que le hayan entrado por ver el estreno de turno. Se supone que estamos en la era digital del sonido y la imagen y que casi todo el mundo tiene en su casa una televisión gigante panorámica HD, pero ¿para qué?, pues eso, para ver un bodrio de peli descargada de internet de esas en las que a mitad de metraje ves a un espectador levantarse de la butaca para evacuar sus fluidos internos en el momento clave del metraje. Esto se tiene que acabar, señores que ya se puede ver cine de calidad online gratuitamente!. Plataformas como Voddler.com ya imitan los modelos del campo musical como en su día hizo Spotify al crear una web gratuita para escuchar música con opción de descarga de pago. Voddler nos ofrece lo mismo pero en cine, 'gratis total', calidad HD, versiones originales con subtítulos, etc. Eso sí, si quieres calidad de imagen te recomiendan una conexión ADSL de 3 Mb como mínimo. Entonces, ¿cual es el pero?. No hay ningún pero, Voddler es una plataforma online ya establecida en los países escandinavos y con un éxito más que reconocido. En España todavía están en la versión beta y su catálogo de films es pequeño, lo ideal es conseguir un catálogo con 2000 películas como ofrece ahora en los países del este. Eso sí, si quieres ver una peli que acaba de salir al mercado de video club hay que pagar por visionado o por tarifa plana, pero si no eres de los impacientes con el paso de los meses puedes ir viendo todos los títulos que te apetezca totalmente gratis. ¿Y esto como lo consigue Voddler? Al igual que Spotify y otras plataformas audiovisuales de gratuidad ellos viven de la publicidad que ofertan en sus páginas.

No solo Voddler oferta cine online, también están Cineclick, Filmotech y el gigante americano, Netflix. Este último es la mayor plataforma de distribución de películas en streaming del mundo, con un catálogo de más de 20.000 títulos y estrenos a la vez que el mercado del videoclub, y tan solo por una cuota de cinco euros mensuales sin limite de visionado por película o serie de televisión. Eso sí Netflix todavía no ha desembarcado en Europa, es posible que la veamos por España a principios de 2012.
No nos olvidamos de Filmin.es, nuestra favorita, la especializada en cine independiente, con un catálogo hasta la fecha de 1273 películas y 10 series (y subiendo) que oferta una tarifa plana un poco más cara que Netflix, 10 euros al mes y con 72 horas de límite de visionado.

El futuro ya está aquí, hoy, ahora, en tu misma casa y viendo cine de calidad a precios asequibles e incluso gratis, pero no nos olvidemos que la tecnología hasta ahora no es capaz de recrear las sensaciones que recorren tu cuerpo cuando pones un pie en una sala de cine, o si?

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"SON OF BABYLON" DE MOHAMED AL DARADJI

Por ElEfectoKulechovPuntoCom.
Mohamed Al Daradji (Bagdad, 1978), iraquí formado en Gran Bretaña como cineasta, sólo pudo regresar a su país tras la caída de Hussein. En "Son of Babylon" vuelve a retratar las secuelas de la guerra sobre aquellos que siempre padecen en tierra de nadie los conflictos internacioneles, el pueblo, una abuela y su nieto. iraquíes de a pie, los de siempre, los que sufren la pérdida de familiares, de bienes y propiedades, de almas,... de vidas. Como ya lo hizo en 2005 con "Ahlaam" (Sueños), Mohamed Al Daradji no se posiciona ni muestra frente a la cámara a los causantes del conflicto, no pierde el tiempo en servirnos un plato precalentado de restos políticos que todos ya conocemos, sus protagonistas son esos que siempre pierden, son los que levantan ciudades con el sudor de su sangre.

Sinopsis / En “Son of Babylon” conocemos a Ahmed, un niño kurdo de 12 años que recorre las carreteras del norte de Iraq con su abuela. Ambos buscan al padre del niño, un soldado arrestado por la Guardia Republicana de Saddam al final de la Guerra del Golfo. En su búsqueda se cruzan con otras personas en la misma situación; todos viajan en busca de alguien, de una nueva vida y de un futuro.

Ficha Tecnica / Película: Son of Babylon. Dirección: Mohamed Al-Daradji. Países: Iraq, Reino Unido, Francia, Holanda y Palestina. Año: 2009. Duración: 90 min. Género: Drama. Interpretación: Shehzad Hussen (Um-Ibrahim), Yasser Taleeb (Ahmed), Bashir Al-Majid (Musa). Guion: Mohamed Al-Daradji, Jennifer Norridge y Mithal Ghazi. Producción: Atia Al-Daradji, Mohamed Al-Daradji e Isabelle Stead. Música: Kad Achouri. Fotografía: Mohamed Al-Daradji y Duraid Al-Munajim. Montaje: Pascale Chavance y Mohamed Jbara. Diseño de producción: Alison Jeffery. Distribuidoras: A Contracorriente Films y Aquelarre Cine. Estreno en España: 7 Octubre 2011. Calificación por edades: No recomendada para menores de 7 años.

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"LAS RAZONES DEL CORAZÓN" DE ARTURO RIPSTEIN

La Opinión de... LEOmuñoz.
El mejicano Arturo Ripstein vuelve con un film marca de la casa, un drama intimista, profundo, áspero y desolador. Ripstein garantiza en cada uno de sus films un viaje sin retorno a lo más profundo del  alma humana y por supuesto que ese alma siempre camina por el lado oscuro de la mente. "Las razones del corazón" esta rodada en blanco y negro, quizás para remarcar ese estado permanente de angustia y tristeza de la protagonista, Emilia (Araceli Ramírez), que vive en una constante depresión principalmente causada por un amor enfermizo volcado en su amante y que no es correspondido con el entusiasmo que ella demanda. Su asfixia cotidiana se incrementa por la incapacidad de querer y cuidar a su hija, su fracaso como ama de casa y su descontrolado uso del poco dinero que su esposo trae a casa. Su desoladora existencia la encierra en un apartamento que actúa a modo de cárcel física y que Ripstein filma con rabiosa intención, sin ni siquiera sacar la cámara de ese bloque de viviendas, liberando su asedio con la muerte de la protagonista a modo de toma final redentora sobrevolando el edificio y entrando por la ventana hacia el cuerpo moribundo de Emilia, como si la muerte fuese la única capaz de librar del calvario existencial de nuestra protagonista.
En fin, un film duro de ver, sobre todo para espectadores que se encuentren en horas bajas sentimentales y dirigido exclusivamente para amantes del cine de autor, pero que nos regala una fascinante interpretación de Araceli Ramirez. "Las razones del corazón" hizo su presentación en nuestro país dentro de la sección oficial de la 59 Edición del Festival de Cine de San Sebastián y curiosamente se la podría definir como la hermana hardcore de "The Deep Blue See" de Terrence Davis, donde su protagonista Rachel Weisz también sucumbe mentalmente por un adultero amor.

Sinopsis / En “Las razones del corazón” conocemos a Emilia, un ama de casa agobiada por la medianía de su vida, por su marido fracasado, y por su maternidad mal llevada, que siente que se le derrama el vaso de la vida. El mismo día en que la abandona el amante distante, la tarjeta de crédito, con la que ha jugado al gato y al ratón durante meses, la embarga. Ante su apartamento vacío y desolado, la mujer decide suicidarse. Curiosamente, su muerte acerca al marido cornudo y al amante esquivo.

Ficha Técnica / Película: Las razones del corazón. Dirección: Arturo Ripstein. Países: México y España. Año: 2011. Duración: 139 min. Género: Drama. Interpretación: Arcelia Ramírez (Emilia), Vladimir Cruz (Nicolás), Plutarco Haza (Javier), Patricia Reyes Spíndola (doña Ruti), Pilar Padilla (Jaquie), Alejandro Suárez (Jasper), Paola Arroyo (Isabel). Guion: Paz Alicia Garciadiego. Producción: Roberto Fiesco y José María Morales. Música: David Mansfield. Fotografía: Alejandro Cantú. Montaje: Alejandro Ripstein. Diseño de producción: Sandra Cabriada. Vesturario: Laura García de la Mora. Distribuidora: Wanda Visión. Estreno en España: 7 Octubre 2011.

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"EL ILUSIONISTA" DE SYLVAIN CHOMET

Por ElEfectoKulechovPuntoCom.
"El Ilusionista" es el homenaje que el director Sylvain Chomet ha querido ofrecer a ese gran cómico francés heredero de los grandes del cine mudo norteamericano y francés llamado Jacques Tati (Jacques Tatischeff). El film está basado en un guión original de Tati que nunca materializó en 35 milímetros y que ahora ha sido adaptado por Chomet. Curiosamente apreciamos ciertos rasgos de Jacques Tati en el protagonista de este film animado, su esbletez, su delgadez y su peculiar forma de caminar, un homenaje mágico que resume el espíritu Tati de toda su carrera.

Sinopsis / “El ilusionista (L’Illusionniste)” narra las aventuras de un viejo mago que, al comienzo de la década de los 60, viaja acompañado de su inseparable conejo haciendo espectáculos de magia por toda Europa, en un mundo seducido por el rock y la TV en el que la inocencia, la ilusión y la imaginación ya no tienen cabida. Tras partir desde París y pasar por Londres, el ilusionista llega a un pueblecito de Escocia, donde conoce a Alice, una joven que aún posee la ingenuidad y asombro características de la infancia. Ella todavía ignora que le quiere como a un padre; él siente que la ama como a su hija. Durante su convivencia nacerán momentos tiernos y mágicos que les marcarán para siempre…

Ficha Técnica /  Película: El ilusionista (L’illusionniste). Título original: L’illusionniste. Dirección: Sylvain Chomet. Países: Reino Unido y Francia. Año: 2010. Duración: 80 min. Género: Animación, comedia dramática. Guion: Jacques Tati. Producción: Sally Chomet y Bob Last. Música: Sylvain Chomet. Dirección artística: Bjarne Hansen. Distribuidora: Sherlock Films. Estreno en Francia: 26 Junio 2010. Estreno en España: 7 Octubre 2011. Apta para todos los públicos.

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"PUZZLED LOVE" DE LOS ALUMNOS DE CUARTO CURSO DE LA ESCAC

La Opinión de... LEOmuñoz.
Rescato este título que no alcanzé a ver durante la 59ª Edición del Festival Internacional de Cine de Sansebastián pero que gracias a Veosanse, la plataforma audivisual de la web del festival, he podido visionar on-line. Y descubro el nivel cinematográfico que se destila en la  ESCAC (Escuela Superior Cine y Audiovisuales de Cataluña), que no debe ser casualidad porque ya nos brindaron el año anterior, con premio incluido, "Blog" de Elena Trapé. Este año los chicos del cuarto curso del Grado en Cine y Audiovisuales se han marcado una comedia romántica del estilo chico-conoce-chica mientras estudian con una beca erasmus en Barcelona. Hasta aquí no hay nada destacable que no hayamos visto ya en pantalla, pero (siempre hay un pero) la gracia de la historia es que está contada en 13 capítulos, cada uno distinto el uno del otro, tan distintos que tienen su guión propio, su director propio y técnica cinematográfica propia. Por lo que nos encontramos con 13 pequeñas películas todas ella con el sello particular del director que las dirige pero que encajan perfectamente en la linea argumental principal del film.

Así es, "Puzzled Love" está rodada por 13 directores: Gaby Amione, Pau Balagué, Miriam Cañamares, Josecho de Linares, Gemma Ferraté, Alba Giralt, Alejandro Jovaloyas, Marc Juve, Carlos Pérez-Reche, Eduard Rui, Irene C. Rodriguez, Javier Sanz y Bruno Sarabia. En 26 días de rodaje, 2 por episodio y con 12.000 euros de presupuesto estos chicos han sacado petróleo de sus horas de estudio consiguiendo una comedia romática fresca, moderna, alocada y que aúna 13 visiones distintas de como sacar partido a una cámara de video. Por supuesto que hizo falta más dinero para llevar a cabo este proyecto, 8000 euros más para posproducción y 80.000 que aportó Escándalo Films en materia de derechos de canciones y otros detalles.
Muy recomendable para los que quieran comprobar las posibles nuevas expectativas que nos depara el cine español con esta cantera de realizadores que no se achica ante nada.

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"EL ARBOL DE LA VIDA" DE TERRENCE MALICK O COMO JUGAR A SER DIOS

La Opinión de... LEOmuñoz.
Buff, comienzo a escribir esta reseña y todavía estoy masticando la última mega-obra de Malick, el filósofo-poeta-religioso de la vida que pretende abarcar en un metraje de dos horas y veinte minutos los temas más trascendentales de la existencia humana, leasé el origen del universo, los planetas, la tierra, los organismos unicelulares, la evolución de las especies, la creación de la vida, la interpretación de la muerte y el comportamiento humano dependiendo de la educación que cada uno recibamos. Y todo ello bajo el prisma de una familia de clase media tejana de la américa de los años 50 con toda la carga religioso-cristiana que ello conlleva. Pero aún hay más y es lo más importante, su puesta en escena se carga toda narrativa convencional y nos muestra la acción con imágenes y música anulando todo diálogo convencional entre actores y suspendiendo la cámara en un limbo existencial que envuelve todo el metraje, con unas narraciones en off de los personajes principales a modo de pensamientos íntimos, con los que expresan lo que le piden a Dios, a su padre y a la vida en general.
No hay que dudar de que en "El Árbol de la Vida" nos encontramos ante una nueva forma de hacer cine, una nueva forma de transmitirnos algo distinto, lo que Terrence Malick pretende es capturar sensaciones intangibles y mostrarlas saltándose todas las reglas hasta ahora establecidas en el cine convencional. Su guión no obedece a estructuras lógicas, donde apenas intuimos el orden de las cosas que pretende mostrar, creación de la vida, crecimiento y educación del hombre, muerte y redención. Sus personajes apenas dialogan frente a la cámara, no hay trama alguna, se puede decir que se limitan a vivir, que no es poco. Malick juega un poco a ser Dios, intentando filmar y empaquetar en el mismo lote esta mastodóntica y casi pretenciosa producción bíblica. No me extrañaría nada que este film sea utilizado por algunos clérigos como referente para mostar a sus fieles el camino que hay que seguir hacia la gracia de Dios. Comparto totalmente con mi compañera Marta lo que dice en su reseña  de la falta de universalidad espiritual, pero claro el que ha hecho la peli ha sido Malick y está claro que profesa cristianamente el catolicismo. Y eso se nota en la premisa principal de film cuando la voz en off de la madre da a conocer los dos caminos que hay en la vida, 'el camino de la naturaleza' y 'el camino de la gracia' y, como no, parece ser que el hombre solo alcanzará la paz espiritual si elige el camino de la gracia. Incluso me atrevería a decir que la figura de Dios abre el film a modo de nebulosa espacial creadora de todo el universo y que misteriosamente es la última imagen que Malick decide mostrar antes de los títulos de crédito.
Aún así hay que reconocer el gran esfuerzo que este director ha acometido creando una forma de expresión cinematográfica distinta, aunque por el momento solo sea reconocido por una parte de la cinefília universal, ya que el gran público no está preparado para esto.

Sinopsis / “El árbol de la vida” es un canto a la vida. Busca respuestas a las preguntas más inquietantes, personales y humanas; a través de un caleidoscopio de lo íntimo y lo cósmico, que va de las emociones más descarnadas de una familia de un pequeño pueblo de Texas a los límites infinitos del espacio y del tiempo, de la pérdida de la inocencia de un niño a los encuentros transformadores de un hombre; y lo hace con sobrecogimiento, asombro y trascendencia a través de una historia impresionista de una familia del medio-Oeste americano en los años cincuenta, que sigue el transcurso vital del hijo mayor, Jack, a través de la inocencia de la infancia hasta la desilusión de sus años de madurez, en su intento de reconciliar la complicada relación con su padre (Brad Pitt). Jack (como adulto, interpretado por Sean Penn) se siente como un alma perdida en el mundo moderno, en busca de respuestas sobre el origen y significado de la vida, a la vez que cuestiona la existencia de la fe. A través de la imaginería singular de Malick, vemos cómo, al mismo tiempo naturaleza bruta y gracia espiritual construyen no solo nuestras vidas como individuos y familias, sino toda vida existente.

Ficha Técnica / Película: El árbol de la vida. Título original: The tree of life. Dirección y guion: Terrence Malick. País: USA. Año: 2011. Duración: 141 min. Género: Drama. Interpretación: Brad Pitt (Sr. O’Brien), Sean Penn (Jack), Jessica Chastain (Sra. O’Brien), Fiona Shaw (abuela), Irene Bedard (mensajera), Hunter McCracken (Jack joven), Laramie Eppler (R.L.), Tye Sheridan (Steve). Producción: Dede Gardner, Sarah Green, Grant Hill, Brad Pitt y William Pohlad. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Emmanuel Lubezki. Montaje: Mark Yoshikawa. Diseño de producción: Jack Fisk. Vestuario: Jacqueline West. Distribuidora: Tripictures. Estreno en USA: 27 Mayo 2011. Estreno en España: 16 Septiembre 2011. Apta para todos los públicos.

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"LOS PASOS DOBLES" DE ISAKI LACUESTA, CONCHA DE ORO 2011

La Opinión de... LEOmuñoz.
Es de obligado cumplimiento escribir en este blog sobre la Concha de Oro de la 59ª Edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián. Sobre todo si presumimos de haberla visto in situ en Donosti, en el ojo del huracán, donde la crítica especializada alzó su voz contra el jurado, y donde incomprensiblemente el director mejicano de "Las Razones del Corazón", Arturo Ripstein, arremetió contra el director del festival y contra el jurado en pleno por haberse quedado sin premio y concedérselo a "Los Pasos Dobles" de Isaki Lacuesta: 'este era un festival realmente serio, era de los cinco de Europa y, de pronto, es subnormal'. Me huele a pataleta de niño mimado o a refunfuño senil, más aún sabiendo que este señor ha ganado en San Sebastián dos Cochas de Oro, una en 1993 y otra en el año 2000. 'Bocachanclas' a parte, yo tampoco voy a ser de los que defienda este film principalmente porque su deslavazada puesta en escena y sus, en ocasiones, pintorescas por no decir ridículas secuencias no aclaran la dirección del guión y el espectador parece navegar por tierra de nadie intentado dilucidar si lo que ve es un engendro de western documental o una sátira ficción sobrenatural salpicados por las pinceladas (magistrales) de un observador al margen del metraje llamado Mikel Barceló. Lo siento pero mi interés cinematográfico no es captado por esta pseudofábula de las artes plásticas que supongo irá dirigido hacia un público más ducho en la materia capaz de acompañar a Isaki Lacuesta por este camino labrado por su personalísimo cine de autor.
Ahora bien, jamás se me ocurrirá criticar a un pequeño grupo de personas denominadas jurado que han apostado por un film que verdaderamente ha llegado a su corazón y al que seguro les ha aportado algo que no han encontrado en el resto de la sección oficial. Siempre será la opinión de un determinado grupo de personas tan cambiante y dispar como tantos otros grupos quieras formar, el cine es una creación personal para ser digerida por una percepción personal, por eso yo y unos cuantos más nos comimos esto con patatas.

Sinopsis / La mejor forma de huir de tus perseguidores sin dejar rastro es caminar hacia atrás, sobre tus propias huellas. Eso creía François Augiéras, que cubrió de pinturas un búnker militar en el desierto y luego lo dejó hundirse en la arena para que nadie lo encontrara hasta el siglo XXI. ¿Pero quién es Augiéras? ¿Legionario, pintor, escritor, pistolero, santo, ladrón, diablo o una mezcla de todo ello?

Ficha Técnica / Película: Los pasos dobles. Dirección: Isaki Lacuesta. Países: España y Suiza. Año: 2011. Duración: 90 min. Género: Drama. Interpretación: Miquel Barceló, Josef Nadj, Amon Dolo, Amasagú Dolo, Bokar Dembele, Alou Cissé, Soumaila Sabata, Mamadou Camara. Guion: Isaki Lacuesta e Isabel Campo. Producción: Luisa Matienzo. Música: Gerard Gil. Fotografía: Diego Dussuel. Montaje: Domi Parra. Diseño de producción: Sebastian Birchler. Distribuidora: Avalon. Estreno en España: 23 Septiembre 2011. No recomendada para menores de 7 años.

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"SOMEWHERE" DE SOFIA COPPOLA

Por ElEfectoKulechovPuntoCom.
Uff, espero equivocarme pero me huele a truño el nuevo estreno de Sofía Coppola, lo siento pero tengo a esta señorita atragantada hasta lo más profundo de mi exófago. Ya vi la anodina "Las Virgenes Suicidas" (1999) y la soporífera "Lost in Translation" (2003), aunque no tiro la toalla y todavía pienso rescatar su tercer título como directora "María Antonieta" (2006), ya que creo que sera difícil que me duerma sabiendo que es un musical. Así que ya véis las ganas que tengo de ver esta "Somewhere" que tiene pintas de ser calcadita a "Lost in Translation", con hotel incluido, pero perdiendo el encanto que tenía la megaurbe nipona. Repito, espero meter la pata hasta el fondo prejuzgando de peñazo el último trabajo de Sofía (León de Oro en Venecia a Mejor Película incluido) porque eso significaría que por fin la niña prodigio despierta de su letargo, si es así prometo devolver mi 'Oscar' al Bloggero mas pretencioso del planeta cinefilia. / por LEOmuñoz.

Sinopsis / “Somewhere” es una historia intimista que transcurre hoy en día en Los Ángeles. Johnny Marco es un actor de primera línea con perfil de chico malo, que tropieza por una vida llena de excesos. Vive en el legendario hotel Chateau Marmont de Hollywood, se pasea en su Ferrari y sus días son una neblina de alcohol, mujeres y fans. Arropado en esta celebridad inducida por un mundo artificial, Johnny ha perdido todo sentido de su verdadero ser. Hasta que un día, su hija de 11 años, Cleo, fruto de su fracasado matrimonio, se presenta en el hotel inesperadamente y comienza a ser su ancla con la realidad. Sus encuentros hacen que se enfrente a la cuestión de dónde se encuentra en su vida y a la pregunta que todos debemos afrontar: ¿qué camino tomarás en ella?

Ficha Técnica / Película: Somewhere. Dirección y guion: Sofia Coppola. País: USA. Año: 2010. Duración: 97 min. Género: Drama. Interpretación: Stephen Dorff (Johnny Marco), Elle Fanning (Cleo), Michelle Monaghan (Rebecca), Laura Chiatti (Sylvia), Chris Pontius (Sammy), Benicio del Toro, Amanda Anka (Marge), Ellie Kemper (Claire). Producción: G. Mac Brown, Roman Coppola y Sofia Coppola. Música: Phoenix. Fotografía: Harris Savides. Montaje: Sarah Flack. Diseño de producción: Anne Ross. Vestuario: Stacey Battat. Distribuidora: Vértigo Films. Estreno en USA: 22 Diciembre 2010. Estreno en España: 30 Septiembre 2011. Calificación por edades: No recomendada para menores de 7 años.

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"LA PIEL QUE HABITO", LA DERMIS MÁS SUPERFICIAL DE ALMODÓVAR

La Opinión de... LEOmuñoz.
La última de Almodóvar no trasciende ni entusiasma y no piensen que van a ver, como se ha dicho por ahí, un nuevo Almodóvar con otra visión sobre el cine. Almodóvar es Almodóvar ayer, hoy y siempre, su sello es inconfundible y nunca abandonará esa forma tan particular de presentar las tramas y sus personajes casi rayando lo telenovelesco. Pasiones, traiciones, traumas, mutilaciones, grandes secretos familiares y toda una galería de sentimientos encendidos y sobreexcitados conviven cara a cara con la mas reconocible cotidianidad del espectador medio.  Ni tampoco renunciará a esa costumbre suya de introducir en el guión secuencias, sketchs o déjà vu descontextualizando la acción principal del film y a menudo discurriendo por la cuerda floja del chiste absurdo. Fue, es y será un cineasta particular capaz de servirnos en bandeja grandes películas como "Todo Sobre mi Madre", "Volver" o "Los Abrazos Rotos" y capaz de, como en este caso, dejarnos insulsos en nuestras butacas esperando algo. Esperando que Marilia (Marisa Paredes) se involucre algo más en la trama y no que aparezca como la sustituta de la voz en off que nos cuenta el pasado del protagonista, esperando que esa transición entre el personaje de Vicente (Jan Cornet) y el de Vera (Elena Anaya), pilares fundamentales del film, se muestre como el verdadero trauma que significa y no que se limita a la pura transformación quirúrgica de un hombre en mujer, ¡que desperdicio! Esperando también que la magnífica interpretación de Antonio Banderas no haya sido un espejismo al quitarle valor convirtiéndolo en un fantoche ingenuo que pretende que la fiera enjaulada se convierta en perro lazarillo como por arte de magia. Y esperando por último esos maravillosos e hipnóticos diálogos que ha regalado a personajes de la talla de Manuela (Cecilia Roth), Huma Rojo (Marisa Paredes), Raimunda (Penelope Cruz), Sole (Lola Dueñas), abuela Irene (Carmen maura), Harry Caine (Lluis Homar) o Judith García (Blanca Portillo) y que en "La Piel que Habito" brillan por su clamorosa ausencia.
En fin, un film de puro corte almodovariano, con tigrinho incluido, que se deja ver por aquellos que conocen las maneras de Almódovar pero que defraudará a aquellos que esperan el vuelco que nunca se dará en la cinematografía del manchego universal.

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"NO HABRÁ PAZ PARA LOS MALVADOS" DE ENRIQUE URBIZU

Por ElEfectoKulechovPuntoCom.
Enrique Urbizu se erige con este largo en el maestro español de cine negro. Ya lo demostró en 2002 con "La Caja 507" en donde también utilizó como protagonista al sobresaliente José Coronado y lo demuestra de nuevo en "No Habrá Paz para los Malvados", un ejercicio impecable de género capaz de sobrepasar en calidad a cualquiera de las fallidas superproducciones patrias que tantos sinsabores nos han dado. Urbizu, por favor, sigue citando al profeta Isaías y ponle título ya a tu próxima obra, te doy una pista "Ojalá no tengamos que esperar otros ocho años".
Otros films recomendables de Urbizu: "La Vida Mancha" (2003)

Sinopsis / “No habrá paz para los malvados” nos sitúa en Madrid, un domingo cualquiera, otro más, en el que el inspector de policía Santos Trinidad, de camino a casa, ya muy borracho, se ve involucrado en un triple asesinato. Pero hay un testigo que consigue escapar y que podría incriminarle. Santos Trinidad inicia la caza del hombre, emprende una investigación destinada a localizar y eliminar al testigo. Mientras tanto, la juez Chacón, encargada de la investigación del triple crimen, avanza meticulosamente en la búsqueda del asesino. Ambos, Santos y Chacón, van a descubrir que nada es lo que parece, y lo que empieza siendo un simple caso de tráfico de drogas, desembocará en algo mucho más peligroso. Sólo Santos parece ser capaz de impedirlo, siempre que la juez Chacón no consiga detenerle antes.

Ficha Técnica / Película: No habrá paz para los malvados. Dirección: Enrique Urbizu. País: España. Año: 2011. Duración: 109 min. Género: Thriller. Interpretación: José Coronado (Santos Trinidad), Rodolfo Sancho (Rodolfo), Juanjo Artero (Leiva), Helena Miquel (juez Chacón), Pedro María Sánchez (Ontiveros), Nadia Casado (Celia). Guion: Enrique Urbizu y Michel Gaztambide. Producción: Gonzalo Salazar-Simpson y Álvaro Augustín. Música: Mario de Benito. Fotografía: Unax Mendía. Montaje: Pablo Blanco. Dirección artística: Antón Laguna. Vestuario: Patricia Monné. Distribuidora: Warner Bros. Pictures International España. Estreno en España: 23 Septiembre 2011. No recomendada para menores de 12 años.

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FESTIVAL DE SAN SEBASTIAN 2011: 22 PELICULAS EN CINCO DÍAS

La opinión de... LEOmuñoz.
La verdad es que este año si que puedo hacer un balance general de lo que representa asistir a un festival internacional de cine del nivel de San Sebastián. Aunque no he podido ver la sección oficial al completo y  se me han escapado títulos como "No Habrá Paz para los Malvados" de Urbizu y "Take this Waltz" de Sarah Polley, si que los 22 títulos a los que he podido asistir me permiten tener una perspectiva más completa de lo que representa Donostia Zinemaldia para un amante del cine.
Al margen de lo que opine el jurado de este y otros festivales, que no deja de ser mas que la opinión personal de un reducido grupo de personas, nunca extrapolable a los gustos y sensaciones captadas por el resto de integrantes de la comunidad cinéfila, intentaré valorar objetivamente lo visto en la 59ª Edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

En general este año 2011 ha superado con creces en calidad al año anterior cosechando un pequeño grupo de películas destacables que merecen la pena ver en pantalla grande. Comenzamos con el film al que yo hubiera dado la Concha de Oro si hubiese competido en la sección oficial, me refiero a la iraní "Nader y Simin, una separación" de Asghar Farhadi ("A Propósito de Elly" / 2009). Un film que participaba en la sección Zabaltegui-Perlas de otros festivales, y en concreto esta venía de haberlo ganado todo en la Berlinale, Oso de Oro a la Mejor Película y el Oso de Plata al Mejor Actor y Actriz. El film cuenta como se complican las cosas en la vida de Nader cuando se ve obligado a contratar a una mujer para que cuide de su padre enfermo de alzheimer al separarse de su esposa e irse a vivir ésta con su madre. Todo se derrumba cuando la hija de ambos se ve involucrada en la maraña de mentiras y manipulaciones que los adultos tejen a su alrededor, todo el mundo oculta algo en su interior por lo que avergonzarse.

Otro film muy recomendable y que me sirvió para inaugurar el festival (domingo 28 de septiembre a las 19:30 en el Teatro Principal) y la sección oficial, augurando una prometedora jornada, fue "The Deep Blue Sea" de Terence Davies, con la bella Rachel Weisz en su reparto, y muy bien acompañada por  Tom Hiddleston. La verdad es que Rachel podía haberse llevado tranquilamente el premio a la Mejor Actriz del festival al interpretar magistralmente a Herster Collier, una mujer que lleva una vida privilegiada como esposa de un juez del Tribunal Supremo, pero para asombro de todos los que le rodean deja a su marido para irse a vivir con un joven ex-piloto de la RAF del que se ha enamorado profudamente. También aposté para el premio de fotografía por este film ambientado en el Londres de la posguerra, cuya iluminación ha sido trabajada minuciosamente en cada escena, nada se ha dejado al azar y su influencia dentro del conjunto es tal que llega a convertirse en un personaje mas.

También merece mención aparte el hipnótico film de Steve McQeen, "Shame" proyectado dentro de la sección Zabaltegui Nuevos Directores y que nos cuenta el descenso a los infiernos de su protagonista, Michael Fassbender ("Hunger", "X-Men: Primera Generación"), un yuppi neoyorquino adicto al sexo, incapaz de relacionarse con nadie con el que no pueda practicar sus mas oscuras fantasías sexuales. Un film que sorprende por la contundencia de las excenas sexuales y por la interpretación del actor masculino protagonista (Copa Volpi al Mejor Actor en La Mostra de Venecia) y de la actriz secundaria, Carey Mulligan ("An Education", "Nunca me abandones", "Drive").

Cambiando totalmente de género nos pasamos a la comedia coral filmada por Julie Delpy ("Tres Colores: Blanco", "Tres Colores: Rojo", "Flores Rotas"), una de las actrices francesas con mayor proyección interncional y que se ha pasado a la no menos complicada tarea de dirección ("Looking for Jimmy", "The Countess" y "Dos Días en París") a la vez que co-protagoniza la cinta titulada "Le Skylab". Este retrato familiar esta ambientado en 1979, justo el año en que corría la noticia de que la primera estación espacial estadounidense Skylab podría caer sobre Francia en su viaje de regreso a la tierra. Esta premisa es utilizada por Julie Delpy para recrear el paso de la niñez a la madurez de Albertin, una niña de 10 años que se reúne en la época estival con toda la familia alrededor de la abuela para celebrar su cumpleaños. La maestría de Julie Delpy para rodar este film coral en el que aparecen en la misma escena y con bastante frecuencia una media de 15 actores es de admirar. No solo por lograr captar la naturalidad de un encuentro familiar masivo alrededor de una mesa, donde los comensales charlan por grupitos y la cámara pasa de unos a otros escuchando sus historias y perfilando las personalidades de cada uno de los presentes, sino también por ser capaz de plasmar una época tan añorada y fructífera (por lo menos para mi) como fue el comienzo de los 80. Y es que este encuentro familiar con sus discusiones, cánticos, chistes, problemas, rifirrares, guateques e incluso primeros amores nos radiografía minuciosamente la situación política y social de la Francia amenazada por el Skylab, aunque esta amenaza no tenga ningún rigor científico y tan solo represente el sentir de una sociedad ante el desbocado avance tecnológico que estaban presenciando. En fin, que el Premio Especial del Jurado del Festival de San Sebastián de esta edición no ha podido ser mas acertado (no ha ocurrido lo mismo con al Concha de Oro) y que realmente no se arrepentirán de ver este film cuando lo estrenen en nuestras salas, les garantizo 114 minutos entrañables, divertidos y optimistas con el núcleo familiar como centro catalizador de nuestras vidas.

La sorpresa del festival (grata, por supuesto) vino de la mano del género de animación made in Spain, que tanto talento exporta fuera de nuestro país, y que nos regaló esta joya cinéfila titulada "Arrugas" de Ignacio Ferreras, en la que se trata el alzheimer en particular y la vejez en general con una delicadeza y sensibilidad nunca antes vista. Quizás haya resultado totalmente determinante, para que el film haya calado tanto en el público, la elección del género de animación a la hora de tratar de lleno esta realidad social, que puede caer en ciertos tópicos si se hubiese rodado con actores reales. El hecho es que la película se digiere mucho mejor y el mensaje se transmite de una manera mucho más eficaz al comtemplar la soledad, la incomunicación, el abandono y el sufrimiento al que sometemos a nuestros ancianos en personajes animados que nos permiten mantener cierta distancia con un tema tan peliagudo de plasmar en un largometraje.

Dejo en el tintero, para próximas ocasiones, las reseñas de otro grupo de peliculas de las que me gustaría escribir con más pausa, por la trayectoria de sus directores y por la calidad de las películas que también se presentaron en el festival. Me refiero a títulos como la sueca "Happy End" de Björn Runge, la joponesa "Kiseki" (Milagro) de Hirokazu Kore-eda, la portuguesa "Sangue do meu Sangue" (Sangre de mi Sangre) de Joäo Canijo, la mejicana "Las Razones del Corazón" de Arturo Ripstein, la norteamericana "Rampart" de Oren Moverman y, como no, la española de Benito Zambrano "La Voz Dormida".

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"THE LADY", LUC BESSON Y EL ARTE CALLEJERO

 Por ElEfectoKulechovPuntoCom.
 "The Lady" es el título del último film que ha rodado Luc Besson (menos mal que se iba a retirar, eh?)
y que estrenará el 12 de septiembre en el Festival de Toronto. Narra la vida de la activista birmana y premio Nobel de la Paz, Aung San Suu Kyi (Michelle Yeoh / "Tigre y Dragon"), encerrada durante la mayor parte de los últimos 20 años bajo arresto domiciliario y puesta finalmente en libertad hace unos meses.
Pero en relidad la razón principal de esta entrada en este blog es por el cartel de la peli, que sin duda alguna será la mayor represenación artística de este proyecto. Su autor es el reconocido artista callejero Shepard Fairey ("Exit Through the Ghift Shop") que ha basado el cartel en una de sus obras creada en 2009. Fairey es más conocido en el mundo del grafiti como 'Obey', por su emblemática creación en wheatpaste y en pegatinas de la cara del luchador televisivo André el Gigante y la palabra OBEY (OBEDECE), pero sobre todo por la conocidísima imagen 'HOPE' que posteriormente se utilizaría para la campaña presidencial de Barak Obama.

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PREMIO DE LA CRITICA INTERNACIONAL, "THE TREE OF LIFE" DE TERRENCE MALICK

Por ElEfectoKulechovPuntoCom vía sansebastianfestival.com

Dentro del marco de la 59ª edición del Donostia Zinemaldía se hará entrega a "The tree of life" al Premio FIPRESCI que otorga la crítica internacional al Mejor Film del año. Este ha sido el resultado final de la votación de 205 críticos pertenecientes a La Federación Internacional de La Prensa Cinematográfica. La entrega del premio tendrá lugar durante la gala de inauguración de la 59 edición del Festival de San Sebastián, el próximo 16 de septiembre en el Auditorio Kursaal.

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GLENN CLOSE PREMIO DONOSTIA 2011

Por ElEfectoKulechovPuntoCom.
Glenn Close ha sido la actriz elegida este año para ser premiada en el marco del Festival Internacional de Cine de San Sebastián con el Premio Donostia 2011. Y es que esta actriz se ha ganado el reconocimiento internacional labrandose una inteligente carrera dentro del star system holywoodiense, y esta es una tarea muy complicada en una industria en la que hay que lidiar con las grandes productoras de cine comercial que tanto pueden lanzarte al estrellato como engullirte en su propia maquinaria.
Una muestra de su brillante filmografía son sus interpretaciones en films como "Atracción Fatal" (1987), "Amistades Peligrosas" (1988), "Hamlet" (1990), "The Paper" (1994) o "Las Mujeres Perfectas" (2004).

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"METROPIA", INEDITA EN ESPAÑA, SE LANZA DIRECTAMENTE VIA FILMIN

Por ElEfectoKulechovPuntoCom.
"Metropía" es un film inédito en España que se presentó el 5 de octubre de 2009 en el Festival Interncional de Cine Fantástico de Sitges. En este film sueco destaca No encontró distribución en nuestro país y ahora lo ha rescatado la plataforma online de cine independiente más importante en España, FILMIN.ES
Filmin es un ambicioso portal creado en 2006 por un grupo de compañías que apuestan por la calidad en el servicio de visionado online de películas: Alta Films, El Deseo, Golem, Tornasol, Vértigo Films, Wanda Visión y Cameo. A este grupo de empesas cinematográficas se ha unido una compañía líder en el diseño online, Vostok. Asimismo en filmin contamos con la colaboración de las compañías especializadas en transmisión de vídeo por Internet, Ikuna (con sede en Madrid) y Ooyala (con sede en San Francisco).

Tarik Saleh ha dirigido varios documentales premiados incluyendo "Gitmo - Nuevas Reglas de la Guerra" (2005) que ganó el premio almejor documental en el Festival de Cine de Seattle y la Mención Especial del Jurado en Festival de Cine de Miami. "Sacrificio - Otto Frank y el Che Guevara" (2001) ganó el primer premio en el Festival Internacional de Cine de Cuba, Portugal, Brasil. También es uno de los fundadores del Atmosfera Media Network, donde creó una compañía de animación que ha rodadop más de 30 cortos. También ha escrito y producido dos series dramáticas de televisión para la televisión sueca SVT (A Different Class y Dream Team).

Sinopsis:
“Metropia”, con su innovadora técnica de fotomontaje animado, arranca en un futuro cercano en el que una gran compañía, Trexx, ha optado por unir todos los metros de Europa para paliar la crisis del viejo continente. Roger, que oye voces en su cabeza cada vez que entra en el metro, se verá envuelto en una conspiración kafkiana cuando se cruce en su camino la modelo de su champú favorito.

Ficha Técnica:
Dirección: Tarik Saleh. Países: Suecia, Dinamarca, Noruega y Finlandia. Año: 2009. Duración: 80 min. Género: Animación, ciencia-ficción. Doblaje original: Vincent Gallo, Juliette Lewis, Udo Kier, Stellan Skarsgård, Alexander Skarsgård, Sofia Helin. Guión: Stig Larsson, Fredrik Edin y Tarik Saleh. Producción: Kristina Aberg. Música: Kristen Linder. Fotografía: Sesse Lind. Montaje: Johan Söderberg. Dirección artística: Martin Hultman.

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"ARRIETY Y EL MUNDO DE LOS DIMINUTOS" DE HIROMASA YONEBAYASHI

Por ElEfectoKulechovPuntoCom.
Nuevas generaciones sobrevuelan los estudios Ghibli, en cuanto a la nueva dirección de material cinematográfico se refiere. El maestro Hayao Miyazaki (fundador de los estudios) esta vez solo firma el guión de este film inspirado en la célebre novela infantil 'Los incursores' y cede las tareas de dirección a su discípulo y debutante Hiromasa Yonebayashi. Nos apuntamos el nombre de este director para seguirle la pista, seguro que no tarda en destacar si ha tenido un maestro como Miyazaki.

Sinopsis:
“Arrietty y el mundo de los diminutos” cuenta la historia de una familia de pequeños seres, de apenas 10 cm. de longitud, que viven en una casita oculta bajo las tablas del suelo de una mansión campestre. Estos diminutos seres tienen la norma de no dejarse ver nunca por los humanos; sin embargo, su tranquila existencia cambia cuando la joven Arrietty, una audaz adolescente, es vista accidentalmente por un niño que se acaba de establecer en la casa debido a su delicada salud. Entre ambos surgirá una fuerte amistad, pero a la vez la existencia de estos seres se verá peligrosamente amenazada.

Ficha Técnica

Película: Arrietty y el mundo de los diminutos. Título original: Karigurashi no Arrietty. Dirección: Hiromasa Yonebayashi. País: Japón. Año: 2010. Duración: 94 min. Género: Animación, fantasía. Guion: Hayao Miyazaki y Keiko Niwa; basado en la novela de Mary Norton. Producción: Toshio Suzuki. Música: Cécile Corbel. Fotografía: Atsushi Okui. Montaje: Rie Matsuhara. Dirección artística: Yôji Takeshige y Noboru Yoshida.  Distribuidora: Aurum. Estreno en Japón: 17 Julio 2010. Estreno en España: 16 Septiembre 2011

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! CORT...EN ¡ 2011 PLIEGA LA TERRAZA DEL CAFETIN HASTA EL 16 DE SEPTIEMBRE

Por ElEfectoKulechovPuntoCom.
La terraza del Cafetín plegó ayer sus 300 asientos en la cuarta y última función del Festival Corten 2011. Estas dos últimas noches la temperatura nos ha acompañado gratamente y la mítica Travesía Paletillas ha rebosado de público para disfrutar de cine en corto al aire libre. Y es que Alex (propietario del Bar Cafetín) ha transformado este rincón de la ciudad en un oasis cinéfilo que hace las delicias de los aficionados cada vez que estrenamos mes de agosto. Ahora finalizado el ciclo de proyecciones se da paso al tiempo de reflexión en el que el jurado tendrá que sacar sus conclusiones para otorgar el gran premio, así como el premio al Mejor Realizador Menor de 30 años. Pero estos premios junto con la sabia decisión del público asistente que hace entrega al Premio del Público no se conocerán hasta la Ceremonia  de entrega de Premios Oficial que se celebrará en el Teatro Ideal Cinema de Calahorra el próximo viernes 16 de septiembre. Suerte a todos!

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RETROSPECTIVA: CINE NEGRO AMERICANO 1990-2010 EN LA 59ª EDICION DEL FESTIVAL DE SANSEBASTIAN

Por ElEfectoKulechovPuntoCom vía www.sansebastianfestival.com
38 joyas del moderno cine negro norteamericano se darán cita en la retrospectiva que presentarán los cineastas Walter Hill y James Gray dentro del marco del Festival de Cine de San Sebastián. Los títulos elegidos discurren entre las dos últimas décadas del cine actual visitando a directores de la talla de Martin Scorsese, Abel Ferrera, Hermanos Coen, David Lynch, David Mamet, Sean Penn, Jonathan Demme,
Paul Verhoeven, Quentin Tarantino, James Gray, Michael Mann, David Fincher, Kathryn Bigelow, Steven Soderbergh, Walter Hill, Curtis Hanson, Jim Jarmusch, Spike Lee, Christopher Nolan, Antoine Fuqua, Clint Eastwood, Sidney Lumet y Ami Canaan Mann (la hija de Michael Mann) que abrirá la retrospectiva estrenando su último trabajo titulado "TEXAS KILLING FIELDS".
Esta es una ocasión única para poder disfrutar en pantalla grande y en versión original esos nuevos clásicos del cine negro que algunos no tuvimos la oportunidad de ver en un cine, ¿te vas a perder "Reservoir Dogs" de Quentin Tarantino o "Corazón Salvaje" de David Lynch, por poner algún ejemplo?

Lista completa de los títulos que conforman la retrospectiva:

GOODFELLAS (Uno de los nuestros, 1990) de Martin Scorsese
Desde pequeño Henry Hill quiso ser un gánster… y lo consiguió empezando a trabajar para los tipos más duros del barrio. Martin Scorsese no cree en visiones idealizadas y retrata el mundo de la mafia con un grado de realismo y verosimilitud raras veces visto, toda una inspiración para la serie Los Soprano. Una obra maestra del género.

KING OF NEW YORK (1990) de Abel Ferrara
Christopher Walken, en uno de los mejores papeles de toda su carrera, encarna a Frank White, un traficante de drogas dispuesto a eliminar a sus competidores con un particular código ético: “Nunca mato a nadie que no se lo haya merecido”. Abel Ferrara dirige esta dura historia con el pulso que caracteriza su mejor cine.

MILLER’S CROSSING (Muerte entre las flores, 1990) de Joel Coen
Los hermanos Coen rinden un sentido homenaje al cine negro clásico con un film repleto de brillantes diálogos e imágenes inolvidables. Libremente inspirada en la novela de Dashiell Hammett Cosecha roja, la película cuenta las peripecias del duro e impasible Tom Regan en medio de una guerra de gánsteres. Concha de Plata al Mejor Director en el Festival de San Sebastián.

WILD AT HEART (Corazón salvaje, 1990) de David Lynch
La road movie nunca fue tan apasionada e indomable como en esta polémica adaptación de una novela de Barry Gifford a cargo de David Lynch. El ex convicto Sailor seduce a Lula y huye con ella a California, pero la madre de la joven contrata a un asesino para que acabe con él. Su travesía por las carreteras americanas deja un reguero de violencia.

HOMICIDE (Homicidio, 1991) de David Mamet
El prestigioso dramaturgo David Mamet se acerca al cine negro para contar la inquietante historia de un policía judío que, durante una rutinaria investigación de un asesinato, descubre una oscura conspiración. Protagonizan dos imprescindibles actores de carácter: Joe Mantegna y William H. Macy.

THE INDIAN RUNNER (Extraño vínculo de sangre, 1991) de Sean Penn
El actor Sean Penn debutó como director con este sombrío drama sobre la relación entre dos hermanos y sus diferentes maneras de encarar la vida: uno cree en la familia y la vida, el otro es violento y destructivo. David Morse y Viggo Mortensen protagonizan el film.

NEW JACK CITY (1991) de Mario Van Peebles
El género de gánsteres en su versión afroamericana, un film que recupera el espíritu del cine blaxploitation de los 70. Wesley Snipes y el rapero Ice-T enfrentados en esta historia sobre un ambicioso traficante de drogas y un policía que trata de acabar con su imperio. Ice-T, Keith Sweat, Color Me Badd y 2 Live Crew ponen la música.

THE SILENCE OF THE LAMBS (El silencio de los corderos, 1991) de Jonathan Demme
Jodie Foster y Anthony Hopkins ganaron sendos Oscar por sus magníficas interpretaciones en esta cinta donde el género policíaco se acerca al cine de terror. La agente del FBI Clarice Sterling intenta atrapar a un asesino en serie y para ello debe aliarse con un peligroso psicópata: Hanibal “el Caníbal” Lecter.

BASIC INSTINCT (Instinto básico, 1992) de Paul Verhoeven
La femme fatale del cine negro se encarnó en la década de los 90 en el erotismo de Sharon Stone y su cruce de piernas, el más famoso de la historia del cine. Michael Douglas es un policía al límite que cae en sus garras. El polémico Paul Verhoeven sazona este thriller con sus buenas dosis de sexo e ironía.

ONE FALSE MOVE (Un paso en falso, 1992) de Carl Franklin
El sheriff de la pequeña localidad de Star City, Arkansas, lleva una vida tranquila hasta que recibe un aviso de la policía de Los Ángeles: un peligroso trío de criminales va a llegar a la ciudad. Uno de los mejores film noir de la década de los 90, una olvidada joya que merece una reivindicación.

RESERVOIR DOGS (1992) de Quentin Tarantino
Quentin Tarantino deslumbró al mundo entero con su debut en el cine, un claustrofóbico relato en el que una banda de atracadores intenta descubrir cuál de ellos es un delator. Un reparto excepcional, encabezado por Harvey Keitel, saca lustre a unos diálogos que hicieron época.

MENACE II SOCIETY (1993) de Albert y Allen Hughes
Una de las más importantes ghetto movies de la década de los 90. Es la crónica realista y descarnada de varios días en la vida del joven afroamericano Caine Lawson, habitante de uno de los barrios más peligrosos de Los Ángeles.

RED ROCK WEST (1993) de John Dahl
Un maestro del cine negro, John Dahl, dirige esta espléndida muestra de country noir que demuestra que la vida en el pueblo no es mucho mejor que en la ciudad. Nicolas Cage es un pobre tipo envuelto en una rocambolesca trama cuando es confundido con un asesino a sueldo… y él no hace nada para evitar el equívoco.

SUTURE (1993) de Scott McGehee y David Siegel
Un título de culto del cine indie americano, extraña y original vuelta de tuerca a los thrillers psicológicos de los años 40. Narra la historia de un hombre envuelto en una conspiración urdida por su hermano para quedarse con la fortuna que han heredado. Una cinta fascinante e imprevisible.

LITTLE ODESSA (Cuestión de sangre, 1994) de James Gray
El hoy reputado director James Gray debutó en el cine con este relato sobre un asesino a sueldo que regresa a su barrio de la infancia, Brighton Beach, donde vive la comunidad rusa de Nueva York. Allí se reencuentra con un hermano que lo idolatra y un padre que lo desprecia. Tim Roth y Edward Furlong protagonizan el film.

HEAT (1995) de Michael Mann
Nadie sabe filmar Los Ángeles como Michael Mann, una ciudad que aquí es escenario del obsesivo enfrentamiento entre un atracador high tech y un duro policía que no para de perseguirlo. Duelo de personajes y también de actores: nada menos que Robert De Niro contra Al Pacino.

NEW JERSEY DRIVE (1995) de Nick Gomez
Spike Lee es el productor de esta notable ghetto movie acerca de un joven ladrón de coches afroamericano y sus constantes enfrentamientos con los agentes de policía (blancos) que controlan el barrio. Segunda película de Nick Gomez, más tarde director de episodios de series como House, The Shield, Dexter, True Blood o Rubicon.

SE7EN (Seven, 1995) de David Fincher
Pocas veces el cine americano ha retratado el Mal (con mayúscula) de manera tan contundente como en este asfixiante y negrísimo thriller de David Fincher. Brad Pitt y Morgan Freeman son dos policías a la caza de un serial killer convertido en ángel exterminador que castiga los pecados capitales. Impresionante e inolvidable.

STRANGE DAYS (Días extraños, 1995) de Kathryn Bigelow
El cine negro se fusiona con la ciencia-ficción en este sorprendente cyber-thriller de la directora más dura de Hollywood, Kathryn Bigelow. Ralph Fiennes da vida a un traficante que negocia con el bien más preciado en la sociedad de un futuro próximo: los recuerdos de otros.

UNDERNEATH (The underneath: bajos fondos, 1995) de Steven Soderbergh
En 1949 Burt Lancaster protagonizó el film de Robert Siodmak CrissCross (El abrazo de la muerte) y casi cincuenta años más tarde Steven Soderbergh rueda este elegante remake. Un relato empapado del más puro fatalismo noir que tiene como protagonista a un conductor de furgón blindado decidido a robar el dinero que transporta.

FARGO (1996) de Joel Coen
Uno de los títulos emblemáticos del moderno film noir americano es esta divertida, violenta y amarga película de los hermanos Coen, ácido retrato de una pequeña comunidad donde la ambición y la estupidez parecen ir de la mano. Frances McDormand da vida a la agente de policía más entrañable de la historia del género.

HARD EIGHT (Sidney, 1996) de Paul Thomas Anderson
El director de Magnolia (1999) y There Will Be Blood (Pozos de ambición, 2007), Paul Thomas Anderson, debutó con este brillante film noir que bebe del cine americano, pero también tiene un ojo puesto en los clásicos del policiaco francés. Un espléndido Philip Baker Hall encarna a un veterano jugador convertido en ángel de la guardia de una joven pareja.

LAST MAN STANDING (El último hombre, 1996) de Walter Hill
El maestro Walter Hill recluta a dos de los tipos más duros del moderno cine americano, Bruce Willis y Christopher Walken, para ponerlos frente a frente en este emocionante western-noir, un remake-homenaje al cine de Akira Kurosawa y Sergio Leone y a las clásicas películas de gánsteres.

L.A. CONFIDENTIAL (1997) de Curtis Hanson
No hay duda de que James Ellroy es el gran maestro de la novela negra actual y esta adaptación de una de sus más famosos libros le hace justicia. Russell Crowe es el policía duro y violento que no soporta que peguen a una mujer, Guy Pearce el policía íntegro que quiere llegar alto. Juntos se enfrentan a una red de corrupción en una magistral recreación de la América de los años 40.

GHOST DOG: THE WAY OF THE SAMURAI (Ghost Dog, el camino del samurai, 1999) de Jim Jarmusch
La clásica cinta de Jean-Pierre Melville Le samourai (El silencio de un hombre, 1967) es revisada de una manera muy personal por Jim Jarmusch. Forest Whitaker es un asesino a sueldo, perfeccionista y respetuoso con la ética guerrera de los samuráis. El problema es que el mundo en que se mueve sabe muy poco de ética…

SUMMER OF SAM (Nadie está a salvo de Sam, 1999) de Spike Lee
Durante el verano de 1977, la ciudad de Nueva York fue escenario de los crímenes cometidos por un misterioso asesino en serie conocido como el Hijo de Sam. Spike Lee recrea esa época a través del retrato de los vecinos del barrio del Bronx, atemorizados por el asesino. Una de las mejores y menos conocidas películas del director.

MEMENTO (2000) de Christopher Nolan
Un hombre sediento de venganza busca al asesino de su mujer, pero tiene un pequeño inconveniente para conseguir su objetivo: su amnesia le impide recordar todo lo que ha pasado minutos antes. Christopher Nolan conquistó Hollywood con esta película indie cuya endiablada estructura narrativa hace sufrir por igual a protagonista y espectador.

PANIC (2000) de Henry Bromell
William H. Macy da vida a un hombre que ha heredado el negocio familiar: una empresa de asesinatos por contrato. Como no está contento con su vida decide ir al psicoanalista, y en la sala de espera conoce a una atractiva joven que le hará replantearse su trabajo y enfrentarse a su familia. Una curiosa rareza que merece ser descubierta.

TRAINING DAY (Training Day: Día de entrenamiento, 2001) de Antoine Fuqua
Un policía novato e idealista empieza con ilusión su primer día de trabajo… hasta que conoce a su compañero de patrulla, un tipo arrogante, corrupto y violento. Denzel Washington ganó el Oscar por su interpretación en este enérgico thriller a cargo de uno de los más notables directores afroamericanos del cine actual, Antoine Fuqua.

MYSTIC RIVER (2003) de Clint Eastwood
Uno de los grandes iconos del cine de acción americano, Clint Eastwood, se queda en esta ocasión detrás de las cámaras para contar el estremecedor relato de un grupo de amigos que sufrieron una traumática experiencia en el pasado y cuyos caminos vuelven a cruzarse debido al asesinato de la hija de uno de ellos. Con Sean Penn y Tim Robbins.

COLLATERAL (2004) de Michael Mann
Un alucinante viaje nocturno por la ciudad de Los Ángeles que comienza cuando un taxista coge como cliente a un implacable y calculador asesino a sueldo. Tom Cruise deja de ser el eterno chico bueno del cine americano para mostrar su lado más oscuro; Jamie Foxx se convierte en su inocente víctima.

KISS KISS BANG BANG (2005) de Shane Black
Shane Black, guionista de la saga de Lethal Weapon (Arma letal) y clásicos como The Last Boy Scout (El último boy scout, 1991), debuta como director con esta ingeniosa comedia policiaca. Robert Downey Jr. interpreta a un ladrón de poca monta convertido en improvisado detective privado al verse envuelto en una investigación criminal.

SIN CITY (Frank Miller’s Sin City – Ciudad del pecado, 2005) de Frank Miller y Robert Rodriguez
El dibujante Frank Miller empezó a publicar su serie de cómics Sin City en 1991, tristes y duros relatos en deslumbrante blanco y negro que recogían la mejor tradición hard boiled. Su personal estética es trasladada al cine en estado puro en esta adaptación con irresistible reparto: Bruce Willis, Mickey Rourke, Jessica Alba, Clive Owen y Benicio del Toro.

BEFORE THE DEVIL KNOWS YOU’RE DEAD (Antes de que el diablo sepa que has muerto, 2007) de Sidney Lumet
Sidney Lumet ha dado piezas memorables al género negro como Serpico (1973), Dog Day Afternoon (Tarde de perros, 1975) o Prince of the City (El príncipe de la ciudad, 1981). A los 83 años de edad rodó este impecable y emocionante thriller que fue su última lección maestra. Con Ethan Hawke, Albert Finney, Philip Seymour Hoffman y Marisa Tomei.

ZODIAC (2007) de David Fincher
A finales de los años 60, la sociedad americana vivió conmocionada por los misteriosos e incomprensibles asesinatos cometidos por el engmático “Asesino del Zodíaco”. David Fincher recrea con toda minuciosidad la investigación llevada a cabo por un periodista y un policía para solucionar esa gran pregunta sin respuesta.

PRIDE AND GLORY (Cuestión de honor, 2008) de Gavin O’Connor
Un sólido drama familiar ambientado en el mundo de la Policía y centrado en el dilema que vive un agente cuando descubre una trama de corrupción dentro del Cuerpo en la que está implicado su propio cuñado. Edward Norton, Colin Farrell y Jon Voight interpretan los papeles principales.

THE AMERICAN (El americano, 2010) de Anton Corbijn
El prestigioso realizador de videoclips Anton Corbijn pone su refinada estética al servicio de George Clooney. La gran estrella de Hollywood interpreta a un frío y perfeccionista asesino a sueldo que se ve obligado a refugiarse en un pueblo italiano cuando se pone precio a su cabeza.

TEXAS KILLING FIELDS (2011) de Ami Canaan Mann
Ami Canaan Mann demuestra estar familiarizada con el thriller y tener una gran sensibilidad hacia las víctimas potenciales de esta historia ambientada en los espectaculares pantanos de Texas, un microcosmos angustioso. Sam Worthington (Avatar) y Chloe Grace Moretz (Kick-Ass) encabezan el reparto.

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"VALOR DE LEY", LOS COEN MAS ACCESIBLES

La Opinión de... LEOmuñoz.
Rescato esta reseña que en su día no completé y aprovecho, que recientemente el western de calidad de nuevo visitó nuestros cines con "Blackthorn", para recordar a los que no vieron "Valor de Ley" que se pongan frente a su televisor, pantalla de ordenador o proyector y disfruten de otro western de leyenda.

Es inevitable volver la vista atrás para comparar el western de Hathaway con el de los hermanos Coen, ese es el gran reto al que se enfrentaran siempre todos aquellos que se aventuran por la senda del remake. En mi caso al volver la vista no encuentro nada, principalmente porque no he visto el "Valor de Ley" original, aunque la veré por justicia cinematográfica.
Es evidente que en este film los Coen han hecho un alto en el camino dentro de su filmografía, recordemos que son los creadores de "Fargo" (1995), "El gran Lebowski" (1998), "O Brother" (2000), "No es País para Viejos" (2007), por citar algunos y que hasta ahora toda su filmografía se caracterizaba por retratar suspicaz e insidiosamente a la sociedad norteamericana, siempre desde el punto de vista de perdedores asentados en la aparentemente perfecta sociedad que les ha tocado vivir. Mas bien se han dedicado a socabar la puritana moral americana camuflandose bajo una fina capa de comedia socarrona que siempre ha escondido más de una profunda reflexión. Pero en el excepcional caso de "Valor de Ley" esta suspicacia y doble sentido del que abogaban todas sus películas desaparece como por arte de magia y se convierte en un retrato rudo y aspero del viejo oeste donde la mística del wester tradicional queda de lado. Una cruda vida de bandidos analfabetos, policias borrachos, rangers desmitificados y mujeres luchadoras que harían cualquier cosa por vengar la muerte de un padre. Y al frente del reparto un inmenso Jeff Bridge (Rooster Cogburn) acompañado por la pequeña  Hailee Steinfeld (Mattie Ross), Matt Damon (LaBoeuf) y Josh Brolin (Tom Chaney) que convierten a este remake en una pieza única capaz de superar a su antecesora, aunque los eruditos del cine clásico me corten la cabeza. De todas formas es un film para que forme parte de cualquier filmoteca y lo tenga en cuenta en programaciones especiales de westerns de leyenda.

Película: Valor de ley (True grit). Título original: True grit. Dirección: Joel Coen y Ethan Coen. País: USA. Año: 2010. Duración: 108 min. Género: Drama, western. Interpretación: Jeff Bridges (Rooster Cogburn), Matt Damon (LaBoeuf), Josh Brolin (Tom Chaney), Barry Pepper (Lucky Ned), Hailee Steinfeld (Mattie Ross). Guion: Joel Coen y Ethan Coen; basado en la novela de Charles Portis. Producción: Scott Rudin, Ethan Coen y Joel Coen. Producción ejecutiva: Steven Spielberg, Robert Graf, David Ellison, Paul Schwake y Megan Ellison. Música: Carter Burwell. Fotografía: Roger Deakins. Montaje: Roderick Jaynes. Diseño de producción: Jess Gonchor. Vestuario: Mary Zophres. Distribuidora: Paramount Pictures Spain. Estreno en USA: 22 Diciembre 2010. Estreno en España: 11 Febrero 2011. No recomendada para menores de 7 años.

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